El ejercito de las sombras: el silencio y la complejidad del héroe
Luego de filmar Le Samouraï (El silencio de un hombre, 1967) y antes de comenzar a rodar Le Cercle Rouge (Círculo rojo, 1970), Jean Pierre Melville escribió y dirigió una de las más grandes películas del género bélico: L’Armée des ombres. Estrenada en España bajo el grandioso título de El ejército de las sombras, esta adaptación del libro de Joseph Kessel representa una de las cumbres del prestigioso cine francés del siglo XX.
La filmografía de Melville
Antes de centrarnos en esta obra, es preciso analizar algunas características de la filmografía de Melville hasta ese momento. Este director, profundamente influenciado por el cine norteamericano, y especialmente por el film noir y el policial, había destacado desde mediados de la década del 50 con la dirección de obras como Bob le flambeur (Bob el jugador, 1955), Le doulos (El confidente, 1962), Le deuxième soufflé (Hasta el último aliento, 1966) y la anteriormente nombrada El silencio de un hombre.
Al igual que en el film noir norteamericano, estas películas se caracterizan por su carácter trágico, por tener complejas y enrevesadas tramas y por estar protagonizada por antihéroes de mediana edad, de una personalidad compleja (generalmente atravesados por el fracaso y la derrota) y siempre vestidos con sombrero y largos abrigos. Sin embargo, el ritmo lento de estas obras, la preeminencia del silencio como una herramienta en la construcción del suspenso y la extrema frialdad de los personajes (a diferencia de los del noir clásico cuyas vidas están atravesadas por las femmes fatales) transformó a Melville en uno de los referentes de un subgénero del policial que emergió en Francia en la década del 60: el cine polar.
Para el desarrollo de El ejército de las sombras, Mellville no deja de lado los elementos constitutivos del cine polar, por el contrario, los enfatiza. Como consecuencia de ello, surge una película muy personal que ofrece una mirada de la Francia ocupada de la Segunda Guerra Mundial y, en particular, de la resistencia urbana que se había desarrollado en algunas de sus principales ciudades como Marsella, Lyon y París.
El fatalismo en El ejército de las sombras
El realismo y el fatalismo son dos componentes centrales de esta magnífica obra estrenada en 1968. Jean Pierre Melville conocía de primera mano el accionar de la resistencia francesa y el dolor y la pérdida que implicó el proceso. Él había sido parte de sus operaciones en París y Londres, y fue allí donde por primera vez utilizó el apellido por el cual se haría conocido, en un claro homenaje al escritor de Moby Dick.
Sinopsis
El protagonista de esta película es Philippe Gerbier (Lino Ventura), un ingeniero civil que se había transformado en un miembro fundamental de la resistencia. Lo película comienza cuando este personaje es encarcelado por sus actividades como miembro de la resistencia. Es allí donde, en un diálogo con un joven comunista, expresa una de las frases que define a la perfección su personalidad: “no soy comunista, pero puedo tener camaradas”.
Luego es trasladado a París, pero antes de ser interrogado por la Gestapo logra escapar y comienza un nuevo periplo a lo largo de diferentes ciudades como un miembro jerárquico dentro de la organización. En este proceso, entablará un vínculo con otros miembros como Luc Jardie (personificado por Paul Meurisse e inspirado en Jean Cavaillès), Jean-François Jardie (Jean-Pierre Cassel), Mathilde (Simone Signoret), Claude «Le Masque» Ullmann (Claude Mann), Félix Lepercq (Paul Crauchet) y Guillaume «Le Bison» Vermersch (Christian Barbier)
Heroísmo vs traición
Lo más interesante de El ejército de las sombras es que pone en jaque constantemente la dualidad heroísmo/traición. Desde la perspectiva de este film, esa dualidad es completamente errónea y en el alma del hombre conviven y luchan el heroísmo y la traición.
Todos los actos heroicos de los miembros de la resistencia son efímeros y cualquiera de ellos, bajo determinadas circunstancias, pueden ser partícipes de una traición. A diferencia de otras películas del género, donde existen héroes constitutivamente puros, los protagonistas de esta película son humanos y están atravesados por emociones y sentimientos como el dolor, el amor y el miedo. Mathilde es quien mejor encarna esta dualidad.
Esto define a la perfección la compleja psicología de los personajes y el silencio se transforma en el componente central de la resistencia. Melville enfatiza la importancia del silencio y, como decíamos anteriormente, lo utiliza como un recurso para la creación de escenas de una tensión casi inhumana. En muchos casos, la personalidad de los miembros se define más por su silencio que por sus palabras. Una sutiliza característica del cine de Melville.
La resistencia
El director lejos está de romantizar la resistencia y, más que grandes intervenciones en el ámbito público, lo fundamental y lo heroico de sus miembros reside en no entregar a los propios compañeros.
Caer en las manos de la Gestapo no trae consecuencias sólo para la persona secuestrada, sino para todo el conjunto. Melville, en una inteligente decisión de montaje, decide no mostrar las escenas de tortura y sólo vemos las consecuencias de las mismas en personajes cuyos rostros aparecen desfigurados. La mente del espectador se debe ocupar de reconstruir esas escenas, lo cual hace que todo resulte aún más terrorífico.
Como consecuencia, frente a la extrema crueldad del ejercito invasor, la respuesta de la resistencia es también extrema. Si bien la postura del director es eminentemente antibelicista, frente a cada acto de traición, sin importar los motivos, la respuesta es la muerte. La violencia como respuesta a la violencia.
Sin embargo, el director muestra nuevamente allí la humanidad de los personajes que retrata. Esto se puede observar tanto en la escena inicial, donde deben matar al joven que había entregado a Gerbier, como en la escena final, cuando deben ajusticiar a uno de sus miembros más relevantes, también por traición.
Cada una de estas escenas es totalmente dolorosa para los protagonistas (y también para el espectador), pero también es juzgada como inevitable y necesaria, ya que la gesta requiere de una frialdad y de una determinación que muchas veces está por sobre las propias capacidades de los personajes.
Por eso mismo, no debe sorprender que, en cada una de estas escenas, a través de primeros planos, vemos a protagonistas contrariados y apesadumbrados por lo que deben realizar. En sus anteriores películas, Melville muestra personajes cuya máxima característica es la frialdad para cometer crímenes. Los máximos ejemplos de esto son el Jef Costello de Alain Delon en El silencio de un hombre y el Gustave Minda de Lino Ventura en Hasta el último aliento. En esta obra, deben adquirir esa herramienta para alcanzar su objetivo. Una compleja mirada sobre la dualidad constitutiva del ser humano.
Conclusiones
El final es otra muestra de la genialidad del director. Frente a un “triunfo” de la resistencia, le contrapone información sobre los personajes que participaron de la operación. Con ello busca demostrar que todo triunfo de la resistencia es efímero y que, como consecuencia, todas sus intervenciones encarnan un profundo fatalismo.
En suma, El ejército de las sombras es una de las más grandes películas bélicas jamás filmadas. Alejada de los estereotipos reinantes en el género, esta obra muestra como un grupo diverso de personas, con sus virtudes y defectos, enfrentan la crueldad del ejército invasor nazi. Una película fundamental para comprender que, inevitablemente, la heroicidad y la traición son elementos constitutivos del ser humano.
